ART ABSTRAIT: HISTOIRE, CARACTÉRISTIQUES, PEINTURE - ART - 2025

L' art abstrait est toute forme d'art qui se détache de toute représentation réelle, afin de créer un espace complètement différent du naturel. Ce sentiment d'abstraction est obtenu grâce à l'utilisation de différentes formes géométriques, ainsi que des points, des lignes et des couleurs pures.

L'abstractionisme en tant que courant artistique est également connu sous le nom d'art non figuratif; Cela signifie que ce style n'a aucun point de contact avec l'art représentatif traditionnel. Malgré cela, cette distance à la réalité n'implique pas un déni de celle-ci, mais propose plutôt une opposition ou un contraste.

Le cavalier, par Wassily Kandinsky, 1911

Selon les connaisseurs, pour comprendre l'art abstrait, il faut savoir faire la distinction entre figuration et abstraction, car ce sont des concepts totalement opposés. Pour cette raison, lorsque ces notions artistiques sont assimilées, il est facile de faire la différence entre une œuvre abstraite et une œuvre figurative.

Abstraction et figuration

Le phénomène d'abstraction se manifeste lorsqu'il n'est pas possible d'associer l'élément créé à un élément existant dans la réalité.

Par exemple, si l'image d'un arbre est prise et qu'elle est floue ou modifiée, ce jeu artistique ne peut pas être considéré comme une abstraction, puisque l'image préserve toujours l'essence de la figure originale; c'est-à-dire qu'il reste figuratif.

En revanche, les images qui n'ont pas de référence réelle peuvent être considérées comme une abstraction. Dans le domaine de l'art abstrait, il existe plusieurs aspects, tels que l'abstraction géométrique, le formalisme et l'abstraction expressionniste. Cependant, ils sont tous liés en termes d'absence de référent réel.

Ces figures liées aux rêves ne peuvent pas non plus être considérées comme de l'abstraction car, malgré le fait que des images surréalistes puissent surgir dans les rêves et les cauchemars (par exemple, une licorne), elle conserve toujours des références que l'on peut trouver dans la réalité (dans le cas licorne, c'est un cheval avec une corne).

Distance du monde figuratif

L'abstraction a radicalement changé le monde artistique, car avant cet événement, l'art avait été maintenu sous la tutelle de la figuration malgré le fait qu'au cours des XIXe et XXe siècles la forme avait commencé à s'estomper à travers d'autres mouvements comme l'impressionnisme., Postimpressionnisme et cubisme.

Depuis l'époque où l'homme peint dans les grottes, l'art est resté une quête de représentation de la réalité.

Jusqu'au XXe siècle, l'artiste n'ayant pas su se détacher de son environnement et de son contexte, l'art abstrait permettait de s'ouvrir dans l'épistémé d'un moment historique qui aspirait à de grands changements sociaux et à un renouveau esthétique.

L'abstraction peut être associée à la musique, puisque les sons ne peuvent pas être figuratifs (malgré la nomenclature musicale). Les couleurs et les formes sont également abstraites, offrant un large éventail de possibilités qui ne doivent pas nécessairement avoir un véritable expéditeur.

Origine et histoire

L'art abstrait a ses origines dans des mouvements antérieurs tels que le cubisme et le fovisme; cependant, il y a un tableau en particulier qui a servi de point de départ pour la séparation entre la représentation d'objets réels et la perception visuelle des couleurs.

Cette œuvre appartient au peintre James McNeill Whistler et s'intitule Night in Black and Gold: The Falling Rocket. Dans cette peinture de 1874, vous pouvez voir une gamme de couleurs sombres et il est difficile de trouver directement des formes humaines ou des constructions architecturales.

Ce que l'on apprécie facilement, ce sont les coups de pinceau de lumière et d'ombre, ainsi que les points dorés qui semblent évoquer un feu d'artifice.

Influence du cubisme, de l'expressionnisme et du fovisme

Avec l'apparition des œuvres de Pablo Picasso et de Georges Braque, une entrée en force fut autorisée aux formes géométriques et aux couleurs plates. De même, Paul Cézanne s'est également aventuré dans la création d'une réalité alternative; c'est-à-dire qu'il a travaillé sur une reconstruction du figuratif.

À leur tour, les artistes expressionnistes ont pris sur eux d'exploiter - même de manière grotesque - l'intensité de la palette de couleurs et des formes. Ses peintures sont considérées par la critique comme un débordement de passions, qui se sont manifestées de manière réactionnaire avant une époque de grande consternation sociale.

De même, une œuvre comme The Scream d'Edward Munch est essentielle pour le développement de ce qui deviendra plus tard l'art abstrait ou non figuratif du XXe siècle. Le tableau intitulé L'entrée du Christ à Bruxelles, de James Ensor est également pris en compte.

D'autres grands représentants de l'avant-garde, tels que Paul Gauguin, Henri Matisse et Georges Seurat, sont considérés comme une source d'inspiration clé pour celui qui deviendra plus tard le plus grand représentant de l'abstraction, Vasili Kandinsky.

En effet, le langage de la couleur brute, associé à ses différents coups de pinceau, a fortement influencé le célèbre pionnier.

De Baudelaire à Mallarmé: tentative de se démarquer du référent

Dans le monde de l'écriture, différents mouvements se préparaient également dans le but de rompre avec l'établi et de mettre fin à toute référence réelle. Dans le domaine des lettres, cette séparation a été un peu plus difficile, car dans l'esprit humain les mots chercheront toujours à être soutenus par leur référent.

Cependant, ces poètes ont réalisé le lien avec l'intériorité de la forme à travers l'image acoustique du mot, se détachant du concept auquel il renvoie.

Le grand poète de la modernité Charles Baudelaire a été chargé de semer les graines de l'idée que tous les sens réagissent à certains stimuli artistiques, car ceux-ci sont liés par un niveau esthétique profond qui réside dans le subconscient de l'être humain.

En d'autres termes, tous les arts ont la capacité d'éveiller certaines sensations dans l'œil, dans l'oreille et dans l'esprit de la personne qui les perçoit, sans avoir besoin de répondre à un véritable référent.

De même, les poètes français de renom tels que Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud et Guillaume Apollinaire ont cherché à se distancer de la forme référentielle pour se concentrer sur la jouissance du son des mots et sur ce que ceux-ci peuvent évoquer chez le lecteur sans avoir à se référer à un concept.

Cela signifie qu'il s'agit de modifier la structure mentale du lecteur pour qu'il se détache des paramètres établis et ose combiner et créer des sensations différentes à travers le son des syllabes. C'est donc une abstraction dans l'écriture.

Les aquarelles musicales de Claude Debussy

L'ancêtre musical de ce qui fut plus tard l'art abstrait est le grand compositeur Claude Debussy, dont les pièces musicales semblaient imiter les coups de pinceau des peintres impressionnistes et postimpressionnistes.

De la même manière, ce compositeur est également associé au mouvement symboliste, puisque ses notes étaient constituées d'une forte charge allégorique, accompagnée à son tour d'une influence orientale notable.

Cela signifie que, pour des musiciens comme Debussy et Erik Satie, les objets observés au quotidien ne sont que des symboles qui répondent à une réalité beaucoup plus profonde, qui se manifeste à l'être humain par le son accompagné de couleur et de mouvement..

Caractéristiques de l'art abstrait

Cherche à capturer l'essence

Bien qu'il ait des aspects différents, le mouvement abstractioniste se caractérise principalement par la recherche de l'essence primitive des objets.

Par conséquent, l'art abstrait tente de capturer dans ses manifestations artistiques l'exploration de la conscience et de l'inconscience à ses niveaux les plus purs.

Liberté

Une autre de ses principales caractéristiques est la liberté d’application des techniques et des éléments, ainsi que l’importance de ces ressources.

Par exemple, cela s'applique clairement dans le domaine de la couleur: les couleurs ont leur propre expressivité artistique, sans qu'il soit nécessaire de se référer à un concept réel.

Absence de formes réelles

L'abstractionnisme manque de formes réelles; seules des figures géométriques sont utilisées, car c'est un style qui fait appel à une simplicité de forme totalisante.

La peinture

-Vasili Kandinsky

Pour de nombreux critiques, l'art abstrait commence par les œuvres de Vasili Kandinsky; Cependant, il faut noter qu'en 1910 certains marbres veinés français sont devenus célèbres, ce qui peut être considéré comme le début de l'abstraction.

Cependant, selon les connaisseurs, l'importance de Kandinsky dans l'histoire de l'art est indéniable. Ce peintre avait un héritage de sang oriental, qu'il a utilisé comme source d'inspiration pour ses œuvres.

De plus, le même artiste a admis s'être inspiré des cathédrales mythiques de Moscou; Selon lui, l'architecture colorée de la ville était composée de heurts artistiques en apparence extérieure, qui reflétaient une harmonieuse intériorité esthétique et culturelle.

Au cours de son travail artistique, Kandinsky a prôné la recherche de l'essence primitive de la forme. Pour cette raison, son travail peut se résumer en trois mots: couleur, perception et sensation.

Par conséquent, on peut établir que l'art abstrait est une concession qui suppose une condition mystique de l'absolu; c'est-à-dire qu'il s'engage dans une évolution idéologique et philosophique continue.

Le cavalier, par Vasili Kandinsky

La première aquarelle abstraite

Afin d'atteindre la totalité esthétique de ces trois hypothèses, l'auteur a promu l'utilisation d'éléments plastiques de base, tels que le point - élément principal de l'œuvre picturale -, la ligne, le plan et la couleur.

Par les associations et les liens entre ces éléments, il a obtenu des perceptions ou des sensations nouvelles et différentes pour l'œil humain.

Prenant cela en compte, on peut dire que l'art abstrait est né en 1910 avec la première aquarelle abstraite de Kandinsky. Dans cette peinture, vous pouvez voir des formes colorées, des lignes et des valeurs plastiques sans association avec les réalités; En d'autres termes, c'est une œuvre composée d'éléments non figuratifs.

De plus, si le spectateur observe attentivement ce travail, il peut percevoir que le tableau est composé principalement de couleurs primaires et secondaires, principalement bleu et rouge. Des coups de pinceau de tons grisâtres ressortent également, ce qui crée un contraste avec la vivacité des autres couleurs.

Aquarelle abstraite de Kandinsky

-Piet Mondrian

Ce peintre hollandais renommé ne s'est pas spécialisé dans ses débuts dans l'abstraction, mais a d'abord travaillé sur d'autres styles tels que le naturalisme et le symbolisme. Malgré la pluralité des styles, ses arts plastiques restent influencés par ses études philosophiques et spirituelles.

A la recherche de l'essence vitale des choses, Mondrian a joué d'une manière particulière avec l'abstraction géométrique pour retrouver la structuration de base de l'univers dans ses peintures.

Pour cette raison, ses œuvres sont désignées principalement par la couleur blanche -qui est considérée comme une «non-couleur» en raison de la présence totale de lumière et de toutes les couleurs- et par la couleur noire, également considérée comme un «non- couleur »en raison de l'absence totale de lumière et de la présence de toutes les couleurs.

L'une de ses œuvres les plus célèbres, également liée à l'architecture abstraite, est la peinture intitulée Composition en rouge, jaune, bleu et noir, qu'il réalise en 1921.

En cela, vous pouvez voir une série de figures rectangulaires de différentes tailles et couleurs; Cependant, la palette est assez basique et primaire: comme son nom l'indique, ce sont les couleurs rouge, jaune, bleu et noir, qui peuvent rappeler les peintures de l'expressionniste Mark Rothko.

Composition en rouge, jaune, bleu et noir, par Piet Mondrian

Sculpture

La sculpture n'est pas en reste dans le mouvement abstractioniste; en fait, il a introduit une nouveauté dans le style: la tridimensionnalité. Cela s'est produit parce que dans la peinture abstraite, les figures sont toujours plates, tandis que dans la sculpture, la profondeur de la forme est favorisée.

-Henry Moore

L'un de ses principaux représentants était le sculpteur britannique Henry Moore, dont les figures monochromes semblent avoir du mouvement et maintenir une légère inspiration romantique et victorienne, selon le même artiste.

Moore a également admis avoir été influencé par de grands artistes de la Renaissance tels que Giotto, Michelangelo et Giovanni Pisano. De plus, l'auteur a été surpris par les formes des sculptures précolombiennes toltèques et mayas.

Ses nombreuses formes abstraites ont été sculptées principalement dans le marbre et le bronze. Au début de sa carrière, Moore a appliqué la sculpture directe; Cependant, au cours des années 1940, le sculpteur a décidé de commencer par le moulage en plâtre ou en argile, et a également appliqué le moulage traditionnel et ancien «à la cire perdue».

Vagues

Ses sculptures ont pour caractéristique principale l'utilisation de formes ondulantes et d'espaces vides, une inspiration que, selon les critiques, il a tirée des paysages du comté anglais du Yorkshire, sa terre natale.

Malgré le fait que la peinture abstraite prône l'élimination du figuratif, dans les œuvres de Henry Moore, on peut percevoir des abstractions qui ne sont pas complètement détachées de la figure humaine. Vous pouvez même distinguer la représentation du corps féminin et des figures maternelles.

L'une des œuvres les plus connues de Moore s'appelle Three Way Piece No.2, qui est située dans le Toronto City Hall Plaza et a été réalisée en 1964.

Cette pièce sculpturale monochrome est l'une de celles qui correspond le mieux aux préceptes de l'abstraction, car sa forme ne peut être directement liée à aucune référence réelle.

Pièce à trois voies n ° 2 (The Archer) (1964-1965) Toronto City Hall Plaza

-Richard Serra

Un autre grand représentant de la sculpture abstraite est le célèbre plasticien Richard Serra, un ressortissant américain. Cet artiste, toujours vivant, est considéré par la critique comme l'un des meilleurs sculpteurs de notre temps.

Serra est un sculpteur au caractère minimaliste qui préfère travailler avec d'énormes pièces d'acier platine, ce qui rend son travail esthétique plus admirable.

La première étape de l'artiste est celle qui correspond le mieux aux idéaux de l'abstraction, pour lesquels il utilise principalement du plomb fondu.

Travaux d'acier

Il est également connu pour la réalisation de grandes structures en acier rectangulaires. L'un des plus célèbres est le soi-disant arc incliné, qui mesure 3,5 mètres de haut et présente une courbure suggestive et subtile. Cette sculpture peut être vue aujourd'hui sur la Federal Plaza à New York.

Une autre sculpture abstraite très appréciée par la critique artistique est connue sous le nom de Snake, qui est composée de trois couches d'acier qui ont également une courbure (les courbes dans les formes géométriques sont les caractéristiques les plus représentatives de cet artiste). L'œuvre est située au Musée Guggenheim de Bilbao.

L'une des œuvres les plus reconnues et les mieux travaillées de Serra s'appelle The Matter of Time, qui est composée de sept grandes sculptures remarquables, faites du matériau préféré de l'artiste: l'acier corten.

Ces figures sont entièrement composées de formes rondes et obliques, rappelant les formes de la nature et le caractère rond et trompeur du temps en tant que construction humaine.

Arc incliné

Architecture

Au cours du XXe siècle, une recherche de l'essence et des formes primitives se manifeste également au sein de la discipline architecturale. Pour cette raison, dans l'architecture abstraite, les figures géométriques et plates dominent, également réalisées dans un style minimaliste.

En même temps, l'architecture appartenant à ce style esthétique tente d'approcher la vraie valeur de la forme, la détachant du chaos et de l'arbitraire de la réalité quotidienne. Au sein de ces éléments, la pièce architecturale s'inspire de la nature mais émerge de plus en plus dans sa recherche de la simplicité de l'esprit artistique.

En architecture, il est nécessaire d'ajuster les principes de l'abstraction picturale car, comme la sculpture, elle nécessite une réalisation tridimensionnelle de la forme. De plus, avant que l'infrastructure ne soit réalisée, il faut que l'artiste se demande si la forme qu'il souhaite produire peut être réalisée dans la réalité concrète.

Généralement, l'architecture abstraite est composée de grandes fenêtres rectangulaires, ainsi que de formes carrées simples et solides.

-Mies van der Rohe

L'un des architectes abstraits les plus connus est l'Allemand-américain Mies van der Rohe, qui est entré dans l'histoire comme l'un des artistes les plus importants de l'architecture moderne. Il était directeur de la remarquable école allemande du Bauhaus; cependant, il a dû quitter ses fonctions en raison de l'entrée du nazisme.

Son architecture est reconnue pour sa simplicité et sa clarté, caractéristiques très typiques de l'abstraction. De plus, les matériaux préférés de l'artiste étaient l'acier industriel et de remarquables feuilles de verre qu'il utilisait pour les intérieurs de la façade.

L'une de ses œuvres les plus célèbres se trouve à Barcelone et porte le nom du pavillon allemand, achevé en 1929. Son architecture est composée de figures géométriques simples et attire l'attention en raison de sa taille modeste. Il se compose d'une plante libre et maintient des influences notables du néoplasticisme.

Allemand Pabello. Par Tassilirosmar, de Wikimedia Commons

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld était un plasticien renommé qui avait différentes facettes, car il se démarquait non seulement dans l'architecture, mais aussi dans la menuiserie et le design. Ses créations d'ustensiles, comme la chaise rouge et bleue de 1918, dénotent le caractère moderne et géométrique comme un élément typique de l'époque.

Son œuvre architecturale la plus célèbre et la plus proche de l'esthétique abstraite est la soi-disant maison Rietveld Schröder, qui a été construite en 1924. Aujourd'hui, cet endroit est utilisé comme musée.

Quant à ses caractéristiques, tant l'intérieur que l'extérieur de la maison impliquent un changement avec tous les paramètres architecturaux précédents; d'où l'importance du travail.

À l'intérieur de la maison, il n'y a pas de chambres, il n'y a qu'un grand espace ouvert. La façade extérieure est composée de lignes et de plans, espacés et colorés afin de créer quelque chose de différent.

Rietveld Schröderhuis. Par Basvb, de Wikimedia Commons

Musique

Comme mentionné dans les premiers paragraphes, il est important de se rappeler que la musique elle-même est abstraite, puisqu'elle ne peut pas être figurative même si elle a une nomenclature symbolique pour les partitions.

Par conséquent, la musique abstraite ne peut pas exister en tant que mouvement artistique. Cependant, il existe un style de musique connu sous le nom de musique absolue, qui consiste en des œuvres musicales qui n'ont pas d'ajout musical supplémentaire; c'est-à-dire qu'ils ne sont liés à aucun texte.

En d'autres termes, la musique absolue manque de poésie et de paroles, c'est une composition purement instrumentale; par conséquent, toute musique dépourvue de paroles peut être considérée comme appartenant à ce genre. Quelques exemples peuvent être trouvés dans les sonates, dans les symphonies ou dans un concert.

Au cours du 20e siècle, plusieurs compositeurs se sont distingués par leurs innovations artistiques musicales et qui ont coïncidé avec les débuts de l'abstraction. Parmi les plus importants figurent Igor Stravinsky et Maurice Ravel.

-Igor Stravinsky

Stravinsky était un chef d'orchestre et compositeur national russe, considéré comme l'un des meilleurs musiciens du XXe siècle. Comme il a vécu jusqu'à 89 ans, il a eu l'occasion d'explorer différents aspects musicaux; cependant, ses œuvres les plus reconnues sont celles réalisées au cours de ses premières années de carrière artistique.

L'une de ses compositions les plus acclamées s'appelle The Firebird, un ballet créé pour la première fois en 1910 à Paris.

-Maurice Ravel

Comme Claude Debussy, ce compositeur français de renom se démarque dans la musique dite impressionniste, qui se caractérise par ses influences orientales et par l'évocation des couleurs à travers les sons. Ravel a également maintenu des traits d'expressionnisme et de néoclassicisme.

Ce musicien est acclamé pour diverses œuvres, et l'une de ses pièces les plus jouées est le Boléro, créé à Paris en 1928; à partir de ce moment, le succès de cette composition fut massif et universel. Son mouvement orchestral est inspiré de la danse espagnole passionnée, très populaire à cette époque.

Références

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