IMPRESSIONNISME: HISTOIRE, CARACTÉRISTIQUES, REPRÉSENTANTS ET ŒUVRES - ART - 2025

L' impressionnisme était un mouvement artistique né en France en 1860 et caractérisé par la tentative des artistes de capturer la lumière dans des espaces naturels et dans des situations quotidiennes à travers des coups de pinceau épais ou des taches. Pour cette raison, dans ce mouvement, des couleurs vives et vives ont été utilisées.

Cela s'appelait l'impressionnisme parce que les peintres n'utilisaient pas de lignes, cependant, si le tableau était observé à une certaine distance, cela donnait "l'impression" qu'il y avait certaines lignes et figures qui donnaient un sens au tableau. De même, le mot est tiré d'un tableau de Claude Monet intitulé Impression, soleil levant (1872).

Musique aux Tuileries, par l'impressionniste français Édouard Manet (1862)

En général, les peintures impressionnistes sont réalisées à partir de coups de pinceau colorés qui forment ensemble des éléments et des figures. Cependant, cela ne peut pas être vu de près (car de près, ils ne ressemblent qu'à des taches); il faut prendre de la distance pour pouvoir visualiser les formes, les lumières et les ombres captées dans le tableau.

Le mouvement impressionniste est essentiellement pictural, cependant, des années plus tard, d'autres arts ont pris des éléments et des caractéristiques de ce style. Par exemple, certains critiques affirment que le compositeur Claude Debussy (1862-1918) a introduit certains traits impressionnistes dans ses pièces musicales.

Origine et histoire

La photographie comme ennemie de la peinture

L'impressionnisme a ses origines à l'école de Barbizon, où les artistes se réunissaient pour peindre à l'extérieur et s'inspirer de décors naturels. De cette école, les impressionnistes ont pris goût aux paysages et à la beauté et à la luminosité de la nature.

Pendant ce temps, la photographie a commencé à se développer, qui capture la réalité telle qu'elle est. Cela touchait notoirement les peintres, qui ne savaient pas comment justifier la réalisation de portraits et de paysages alors qu'un appareil photo pouvait le faire presque instantanément.

Pour cette raison, les peintres ont cherché un moyen de représenter les choses d'une manière différente, qui ne ressemblait pas à une photographie. De cette façon, ils s'éloignaient des lignes et du volume pour se concentrer sur la façon dont l'œil perçoit les couleurs et les formes à travers la lumière.

Réception critique

Bien qu'à ses débuts l'impressionnisme ne fût pas largement accepté par les académies (elles le jugeaient étrange et vulgaire), ce mouvement pictural jouissait d'une grande renommée surtout dans les régions européennes.

À cette époque, la France était considérée comme le berceau de l'art, tant d'artistes du monde entier venaient dans ce pays pour se former et s'informer sur les nouvelles tendances. Cela a permis aux peintres et aux voyageurs de diffuser les nouvelles techniques de l'impressionnisme à travers le monde.

L'impressionnisme atteint son apogée à partir de 1873, lorsque des peintres comme Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro et Pierre Renoir se sont imposés comme artistes et principaux représentants du nouveau style.

Il est à noter que, bien que l'impressionnisme ait suivi une série de principes, chacun de ces peintres l'a interprété en fonction de ses besoins artistiques.

Par exemple, Edgar Degas (1834-1917) s'est concentré sur la capture de la sensation de mouvement à partir du portrait de danseurs, tandis que Monet préférait les environnements naturels et aquatiques; cela se voit dans son œuvre Los nenúfares (réalisée entre 1920 et 1926).

Caractéristiques de l'impressionnisme

Si le mouvement impressionniste est né en France à partir du milieu du XIXe siècle, il a été influencé par le romantisme allemand et a repris certaines notions du style des peintres paysagistes anglais.

Par exemple, des peintres tels que John Constable (1776-1837) et Joseph Turner (1775-1851), les impressionnistes ont pris goût au flou et aux couleurs intenses comme le rouge et le jaune.

Les contributions d'Édouard Manet (1832-1883) - ami et tuteur de plusieurs peintres impressionnistes - furent également importantes, qui fut l'un des premiers peintres à s'intéresser aux effets de la lumière sur la perception des figures et des couleurs.

En outre, ce peintre a également commencé à abandonner l'utilisation de la ligne et a commencé à utiliser des coups de pinceau plus épais. Cela se voit dans sa peinture Déjeuner sur l'herbe (1863).

En tenant compte de ces aspects, les caractéristiques suivantes peuvent être établies dans la peinture:

- Intérêt pour les paysages et les situations du quotidien

Les impressionnistes ont orienté les thèmes de leurs peintures vers des éléments naturels et des situations quotidiennes. Ces peintres avaient l'habitude de peindre à l'extérieur et ils aimaient représenter les lacs, les routes, les prairies et les forêts; cela se voit dans les œuvres de Claude Monet.

Ils ont également développé un intérêt pour les situations quotidiennes des êtres humains; ils représentaient des enfants souriants, des dames jouant dans les bois ou des gens qui mangeaient et faisaient la fête. Cela se voit dans les peintures d'Auguste Renoir (1841-1919).

Les nénuphars, par Claude Monet. Via wikimedia commons.

- Couleurs vives et pures

Les impressionnistes ont remarquablement expérimenté les couleurs; ils ont joué avec la technique du clair-obscur et ont utilisé différentes nuances pour provoquer différentes sensations visuelles.

De plus, au 19ème siècle, de nouveaux pigments (c'est-à-dire de nouveaux matériaux avec lesquels la peinture est fabriquée) ont été créés, permettant aux impressionnistes d'utiliser des couleurs plus pures et plus intenses. À son tour, cela leur a servi de support pour expérimenter l'éclairage des personnages.

- coup de pinceau épais et court

Certains considèrent que l'impressionnisme a utilisé des taches pour développer ses peintures. En réalité, c'était un type de coup de pinceau (appelé plus tard coup de pinceau Gestalt) qui se caractérisait par son épaisseur et sa courte durée.

Ces coups de pinceau étaient constitués de couleurs pures et - lorsqu'ils étaient associés à d'autres coups de pinceau de couleurs différentes - à distance, ils donnaient non seulement de la luminosité à la peinture, mais aussi du mouvement.

En d'autres termes, les coups de pinceau impressionnistes en eux-mêmes ne signifiaient rien, mais lorsqu'ils étaient assemblés, ils formaient une totalité lumineuse et vibrante devant les yeux du spectateur.

Représentants et œuvres

Claude Monet (1840-1926)

Ce peintre de nationalité française est considéré comme l'un des pères de l'impressionnisme; en fait, le terme est tiré de l'une de ses œuvres les plus célèbres: Impression, Rising Sun (1872).

Avant 1860, ses œuvres étaient de nature réaliste (c'est-à-dire dépeignant le plus fidèlement possible la réalité). Mais ensuite, il a commencé à développer un style complètement différent, axé sur l'éclairage et les coups de pinceau épais.

Monet aimait peindre en extérieur, notamment dans les jardins de sa maison située à Giverny (un endroit que les touristes peuvent visiter aujourd'hui). Dans cet endroit, il a réalisé une série de peintures connues sous le nom de Nénuphars, inspirées des étangs de sa maison.

Peinture Impression, Soleil Levant de Claude Monet. Source: Claude Monet / Domaine public via wikimedia commons.

Une autre de ses œuvres les plus connues est la série Cathédrale de Rouen (produite en 1895). Ce travail consistait en plusieurs portraits de la cathédrale réalisés à différents moments de la journée; De cette façon, Monet a réussi à capturer comment les couleurs du bâtiment changeaient en fonction de l'incidence solaire.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Il était un peintre français qui se distinguait par ses portraits de la figure féminine, qui ont été insérés dans des paysages naturels. C'était un artiste très spécial qui, par des coups de pinceau, a réussi à capturer des vibrations et des luminosités très particulières dans ses œuvres.

Cela peut être vu dans des peintures telles que The Great Bathers (1884), où les corps féminins ont un éclairage saisissant et des teintes roses. De plus, les coups de pinceau de l'eau permettent au spectateur de percevoir le mouvement et la vitalité.

Renoir a également réalisé des peintures centrées sur des situations quotidiennes de la vie humaine. Cela se voit dans ses œuvres Luncheon des rameurs (1881) et la Danse au Moulin de la Galette (1876). Renoir se caractérisait par la représentation des plus beaux aspects de la vie humaine et de la nature.

Déjeuner des rameurs, par Pierre Renoir. Via wikimedia commons.

Berthe Morisot (1841-1895)

Si le monde de l'art était réservé aux auteurs masculins, il y avait aussi des artistes féminines qui se consacraient au mouvement impressionniste. C'est le cas de Berthe Morisot, qui a développé une longue carrière artistique sur trois décennies, commençant à exposer ses peintures à l'âge de 23 ans.

Ses peintures étaient axées sur la représentation de sa propre vie, ainsi que sur sa perception des activités féminines. Cela se voit dans son œuvre La cuna (1872) et dans Femme dans son bain (1875).

Le style de Morisot était imprégné de lumière et de couleur, se distinguant par ses coups de pinceau lâches et pour éviter les formes traditionnelles.

Mary Cassatt (1844-1926)

Elle était une peintre de nationalité américaine, qui a passé la majeure partie de sa vie en France à se nourrir d'idéaux impressionnistes. Elle était amie avec Edgar Degas, qui lui a fait découvrir le monde artistique.

Le thème de ses peintures était axé sur la vie quotidienne et sociale, en particulier des femmes. L'un de ses sujets favoris était la maternité et les enfants.

Cela se voit dans ses œuvres Maternité (1890), Enfants sur la plage (1884), Jules séché par sa mère (1900) et Madame Meerson et sa fille (1899). La palette de couleurs utilisée par Cassatt était très variée: il utilisait des couleurs pastel aux tons sombres tels que les bruns et les gris.

Enfants sur la plage, par Mary Cassatt. Via wikimedia commons.

Édouard Manet (1832-1883)

Une des plus grandes références de l'impressionnisme en France. Après avoir découvert Diego de Velázquez et commencé à traiter avec d'autres artistes tels que Monet, son travail a commencé à adopter des teintes du mouvement impressionniste. La musique aux Tuileries, à l'Olympia ou au Balcon sont quelques-unes de ses créations les plus marquantes.

Edgar Degas (1834-1917)

Il a été l'un des promoteurs de l'impressionnisme, bien qu'il ait lui-même pris ses distances avec ce courant. Son style est très particulier car il a réussi à capter la spontanéité, à la fois dans une figure spécifique et dans un groupe. Il a montré les techniques Delacroix et certaines de ses créations les plus remarquables étaient Male Nude (1856), The Rape (1869) ou The singer with gants (1878).

Impressionnisme en Espagne

L'Espagne est l'un des pays européens qui s'inspire le plus du courant impressionniste. En fait, de nombreux artistes espagnols se sont rendus en France pour découvrir les nouvelles tendances et s'inspirer.

Les peintres espagnols ont pris de l'impressionnisme le goût des paysages et des milieux naturels; aussi les coups de pinceau lâches et les couleurs frappantes. Cependant, chacun a ajouté sa perspective unique. Cela se voit dans le style de Joaquín Sorolla et Darío de Regoyos y Valdés.

Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923)

C'était un peintre très réussi qui a composé jusqu'à 2 200 peintures. Son style est principalement impressionniste, bien qu'il ait quelques traits des mouvements postimpressionniste et luministe.

Sorolla utilisait une palette de pastel, que l'on peut voir dans ses œuvres Niños en la playa (1910), Paseo por la playa (1909) et le portrait de Raquel Meller (1918). Cependant, il a également utilisé des teintes rouges et brunes; c'est ce que montre son autoportrait (1909).

Darío de Regoyos y Valdés (1857-1913)

C'était un peintre espagnol de style impressionniste, qui a également expérimenté le pointillisme et le symbolisme. Les couleurs de son travail étaient très variées; par exemple, dans sa peinture Almond Blossom (1905), il a utilisé une palette lumineuse de bleus et de verts. En revanche, dans son ouvrage Vendredi saint à Orduña (1903), il utilise des couleurs sombres composées de tons bruns.

Aureliano de Beruete (1845-1912)

Homme de la haute société qui a eu l'occasion de se consacrer pleinement à la peinture. Son étape la plus notable est l'impressionniste, où il atteint sa maturité en tant qu'artiste. Les pommiers (1908), l'automne à Madrid (1910) et les épines en fleurs (1911).

Ignacio Pinazo (1849-1916)

Valencien, il a pu obtenir des bourses pour se former à Rome. A son retour, son thème variait en œuvres à caractère historique ou typisme valencien. Les couleurs sombres se détachent dans des peintures telles que Las hijas del Cid (1879) ou Estación (1896).

Impressionnisme au Mexique

Comme les artistes espagnols, les peintres mexicains ont également été influencés par les courants français. Cependant, des artistes de ce pays ont ajouté des scènes locales et culturelles du Mexique à leurs peintures. Cela peut être vu dans les œuvres de Joaquín Clausell.

Joaquin Clausell Traconis (1866-1935)

Il était un peintre mexicain qui a également servi comme activiste et avocat. Son travail était de nature impressionniste et se concentrait sur les paysages du Mexique. Lors de son voyage en France, il a pu rencontrer des artistes importants tels que Camille Pisarro et l'écrivain Émile Zola, qui l'ont motivé dans sa vocation picturale.

Ses peintures étaient strictement paysagères; Cela se voit dans son œuvre Paysage avec forêt et rivière (1910), où l'artiste parvient à capturer le mouvement de l'eau et des feuilles grâce à l'utilisation du coup de pinceau impressionniste.

Il est important de noter que plus tard, les techniques impressionnistes ont servi d'inspiration pour de grands artistes mexicains tels que Diego Rivera (1886-1957) et Frida Kahlo (1907-1954).

Impressionnisme en Argentine

Au cours des XIXe et XXe siècles, l'Argentine compte des artistes notables influencés par les techniques françaises; Cela s'est produit non seulement dans le domaine de la peinture, mais aussi dans la littérature.

Comme les Mexicains, les artistes argentins ont adopté les principes impressionnistes et les ont adaptés aux besoins de leur nation et de sa culture. Cela peut être vu dans les œuvres de Martín Malharro et Ramón Silva.

Martín Malharro (1865-1911)

Malharro était un peintre argentin qui a utilisé certaines techniques impressionnistes pour dépeindre la beauté des paysages argentins. Parmi sa palette de couleurs, les tons verts, bleus et jaunes se sont démarqués; Cela peut être vu dans l'une de ses peintures les plus populaires connue sous le nom de Las Parvas (1911).

Ces couleurs se retrouvent également dans son œuvre intitulée Nocturno (1911), qui consiste en un paysage composé de plusieurs arbres feuillus et d'une modeste maison aux toits bleus.

Ramón Silva (1890-1919)

Ramón Silva était un élève de Martín Malharro, ses œuvres ont donc été influencées par le style de son professeur. En 1911, il réussit à faire le tour du continent européen, visitant les pays de Hollande, d'Espagne, de Belgique et de Suisse. Il a également pu étudier à Paris pendant quatre ans.

Silva se distingue par ses paysages colorés; Parmi ses œuvres les plus populaires, se distingue le tableau Palerme (1918), où l'auteur se concentre sur l'utilisation de tons rosés, verts, jaunes et bleus. Le coup de pinceau de cet artiste se caractérisait par être très flou.

Fernando Fader (1882-1935)

C'était le germe du mouvement en Argentine. Né à Bordeaux, cela lui a permis de s'imprégner des tendances européennes, en restant ravi par l'impressionnisme allemand.

Il a voulu introduire ce mouvement en Argentine, il a donc organisé une exposition et formé le groupe Nexus, composé de mœurs argentines comme Carnacini ou Dresco.

Ses œuvres les plus importantes sont les châles de Manille, l'étude d'une femme, la mantille, la nourriture des cochons.

Références

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