OSWALDO GUAYASAMÍN: BIOGRAPHIE ET OEUVRES - ART - 2024

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) est l'un des artistes les plus importants d'Amérique latine, dont le travail a été exposé dans les salles les plus importantes du monde. Son art a un profond sentiment indigène avec une posture idéologique et picturale caractéristique du continent américain: le réalisme social.

Né à Quito et formé sous les canons traditionnels de l'art, Guayasamín a rompu avec ces projets pour saisir la réalité des peuples autochtones d'Amérique latine qui ont souffert de l'oppression, ainsi que des attaques de la colonie et du métissage.

Source: modernsilver.com

Dans un style expressionniste, les créations de cet artiste équatorien ont été nourries par des muralistes mexicains en termes d'expressivité, d'utilisation de la couleur et de la force qu'elles transmettent, pour laisser à l'observateur la sensation de l'énergie vitale de l'auteur et, de cette manière, faites connaître votre protestation.

En plus de cette essence indigène, son travail se caractérise également par l'appropriation des tendances avant-gardistes comme le cubisme et l'expressionnisme, sans perdre le réalisme de montrer une réalité de la violence qu'il dénonce.

Il a réalisé d'impressionnantes expositions - plus de 200 individuelles - dans les musées les plus importants du monde, comme en France, en Espagne, dans l'ex-Union soviétique, en Tchécoslovaquie, en Pologne, au Mexique, au Chili et en Argentine.

Guayasamín est également connu pour se lier d'amitié avec des personnalités de classe mondiale, telles que le poète Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, le roi Juan Carlos d'Espagne, Gabriel García Márquez et Carolina de Mónaco, entre autres qu'il incarnait.

En 1991, le gouvernement équatorien a reconnu le travail prolifique de l'artiste et sa contribution à l'art mondial, c'est pourquoi il a décidé de créer la Fondation Guayasamín, à laquelle le peintre a fait don de l'ensemble de sa création et de ses collections d'art.

Biographie

Oswaldo Guayasamín est né à Quito le 6 juillet 1919 et était le frère aîné d'une famille de dix personnes. Son père, José Miguel Guayasamín, était un indigène de la tribu Quechua; tandis que sa mère, qui s'appelait Dolores Calero, était métisse.

Dès son plus jeune âge, il a démontré son amour de la peinture en faisant des caricatures de ses camarades de classe et en réalisant des affiches pour le magasin que sa mère tenait. De plus, il peint des tableaux sur des morceaux de carton qu'il vend aux touristes pour payer leurs études.

Malgré la ferme opposition de son père, le jeune Guayasamín s'inscrit à l'École des Beaux-Arts de l'Équateur, dont il est diplômé en tant que peintre et sculpteur en 1941, recevant également la reconnaissance d'être le meilleur élève de sa classe.

Un an seulement après avoir obtenu son diplôme, il a réussi à organiser sa première exposition dans la capitale équatorienne. Cette exposition a été marquée par son caractère de dénonciation sociale, qui a fait grand bruit auprès du public et des critiques de l'époque.

Avec ce style particulier, le jeune Guayasamín a réussi à captiver Nelson Rockefeller, qui lui a acheté plusieurs tableaux et l'a soutenu dans son avenir.

Internationalisation

Après cette exposition controversée et avec le soutien de Rockefeller, Guayasamín a déménagé aux États-Unis, où il a également exposé ses peintures. Pendant les 7 mois de son séjour, il a visité tous les musées qu'il a pu pour entrer en contact direct avec l'œuvre d'El Greco, Goya, Velásquez et celle des muralistes mexicains Diego Rivera et Orozco.

Avec l'argent qu'il a réussi à gagner, il s'est rendu au Mexique pour rencontrer un grand professeur, le muraliste Orozco, qui, impacté par son talent, lui a permis d'être son assistant. Au cours de cette visite, il a également rencontré Diego Rivera et de tous les deux il a appris la technique de la peinture en plein air. Au Mexique, il se lie d'amitié avec Pablo Neruda.

En 1945, il a fait un voyage mémorable: du Mexique à la Patagonie. Au cours de ce voyage, il a parcouru chaque ville et village pour prendre des notes et des dessins de ce qui était sa première série de 103 peintures appelée Huacayñan, qui en quechua signifie "La Voie de pleurer", dont le thème est le noir, l'Indien et le métis.

C'est ainsi que tout son travail a commencé à tourner autour du thème autochtone, de l'oppression et de la violence dont les peuples autochtones étaient victimes.

L'œuvre monumentale El camino del llonto a été réalisée grâce au soutien que la Casa de la Cultura a donné à Guayasamín.

Cette série fut exposée pour la première fois à Quito en 1952 au Museo de Arte Colonial, et la même année à Washington et à Barcelone (Espagne), lors de la III Biennale Hispanoamérica de Arte. Dans ce dernier événement, il a reçu le Grand Prix de Peinture.

Présence dans les grands bâtiments

En plus d'avoir des expositions monumentales dans les principaux musées du monde, l'œuvre de Guayasamín est également présente dans de grandes constructions.

Par exemple, une fresque en mosaïque de verre vénitienne se trouve dans le Centro Simón Bolívar de Caracas depuis 1954, appelée Tribute to the American Man.

Pour son pays natal, il a réalisé deux impressionnantes peintures murales en 1958. La première est La découverte du fleuve Amazone, également réalisée en mosaïque vénitienne, qui se trouve dans le palais du gouvernement de Quito. L'autre a été fait pour la Faculté de droit de l'Université centrale de l'Équateur, qui s'appelle Histoire de l'homme et de la culture.

En 1982, une peinture murale de plus de 120 mètres que Guayasamín a peinte avec de la poussière de marbre et de l'acrylique a été inaugurée à l'aéroport de Barajas à Madrid. Cette œuvre monumentale comprend deux parties: l'une est consacrée à l'Espagne et l'autre à l'Amérique.

Son travail est également présent au siège de l'Unesco à Paris et à Sao Paulo. Ses monuments ornent également l'Équateur: une jeune patrie est à Guayaquil et une résistance à Quito.

Principales reconnaissances et décès

Grâce à son travail prolifique, à son caractère de dénonciation sociale et à sa signification universelle, Guayasamín a reçu de nombreux prix et reconnaissances pour sa carrière.

Son travail a été reconnu dans le monde entier en raison du fait qu'en 1957, il a reçu le prix du meilleur peintre d'Amérique du Sud, qui lui a été décerné par la Biennale de Sao Paulo, au Brésil. Cela a marqué la consolidation de son internationalisation.

En 1976, avec ses enfants, il crée la Fondation Guayasamín pour faire don de son patrimoine artistique à l'Équateur. Grâce à cette fondation, il a pu organiser trois musées: l'art précolombien, l'art colonia et l'art contemporain.

Il a été nommé membre de l'Académie Royale des Beaux-Arts de San Fernando en Espagne et membre honoraire de l'Académie des Arts d'Italie. Il a également été nommé vice-président et plus tard président de la Maison de la culture de Quito en 1973.

En outre, il fut le premier artiste latino-américain à recevoir une décoration du gouvernement français; Cela s'est produit en 1974.

Il meurt le 10 mars 1999 sans terminer sa plus grande œuvre, La capilla del hombre, conçue par l'artiste comme un hommage à l'humanité, en particulier au peuple latino-américain. C'est un musée d'art construit à Quito qui vise à rassembler l'art latino-américain du Mexique à la Patagonie.

La chapelle de l'homme, Quito. Bernard Gagnon, de Wikimedia Commons La première phase de l'espace architectural monumental a été inaugurée en 2002. L'Unesco l'a déclaré "priorité pour la culture", pour laquelle il a reçu de nombreuses contributions d'autres États et d'autres artistes de premier plan dans le monde.

Pièces

La production de Guayasamín est marquée dès le début par son profond esprit indigène et est chargée d'un contenu élevé de dénonciation sociale. Il a ainsi pu franchir les frontières des canons traditionnels et devenir l’un des plus fervents défenseurs des peuples autochtones d’Amérique latine.

Pour développer son style personnel, il se nourrit de l'influence des muralistes mexicains, en particulier de son professeur Orozco. Il était également un fervent défenseur de l'expressionnisme, qui a donné à toute sa création une touche humaniste en reflétant la douleur et la souffrance subies par une bonne partie de l'humanité.

De cette manière, l'œuvre de Guayasamín s'inscrit dans ce courant d'expressionnisme dans lequel la réalité expressive compte davantage sans avoir à traiter avec la réalité extérieure, mais plutôt avec les émotions qu'elle éveille chez l'observateur.

Pour cette raison, ce peintre a affirmé que «ma peinture est de blesser, de gratter et de frapper le cœur des gens. Montrer ce que l'homme fait contre l'homme ». Cela est particulièrement évident dans leurs visages défigurés et tristes qui expriment fortement la douleur de leur peuple.

En ce sens, son travail est centré sur la figure humaine, avec des couleurs vibrantes et des thèmes sociaux.

Malgré l'adaptation de son travail aux expériences et aux techniques que le contact avec les grands artistes de l'époque lui a laissées, il a toujours maintenu l'expression du sentiment humain sur sa toile. Dans toute sa création, trois âges peuvent être différenciés, qui sont les suivants:

La façon de pleurer

La Fondation Guayasamín a réussi à rassembler certaines des premières créations de l'artiste, qui a commencé à peindre et à dessiner à l'âge de 7 ans. Lorsqu'il entre à l'école des Beaux-Arts à l'âge de 12 ans, il séduit les professeurs et ses camarades de classe par sa virtuosité. Déjà à cet âge, il a commencé à travailler sur des questions sociales qui ont ensuite marqué toute sa carrière.

Ce qui est considéré comme sa première étape est ce qu'on appelle sa première série: Le chemin des pleurs.

Cette étape se déroule entre 1945 et 1952 et se concentre principalement sur le voyage qu'il a fait avec ses amis à travers l'Amérique du Sud, au cours duquel il s'est arrêté pour visiter chaque ville pour appréhender leur réalité.

Grâce aux notes et dessins qu'il a réalisés au cours du voyage, il a légué au monde Huacayñan, ou El camino del llonto, sa première série de 103 tableaux dans lesquels il capture le problème des Indiens, des Noirs et des métis à travers des archétypes universels qui apparaissent dans les décors. avec des symboles ancestraux, comme la lune, le soleil et les montagnes.

Avec toute sa charge symbolique universelle, cette série est celle qui lui a donné une place dans le monde des arts.

L'âge de la colère

Dans cette étape qu'il a développée dans les années 60, Guayasamín a démontré que le contenu esthétique n'est pas ce qui est important dans son travail mais le contenu social, le message d'un homme contre l'oppression, la violence et la souffrance.

L'origine de cette plainte remonte à l'époque où, dans sa jeunesse, un ami d'enfance a été assassiné par la répression à Quito. De là, l'artiste entreprend la croisade pour dépeindre la violence de l'homme contre l'homme pour laisser un message de rébellion et lutter contre l'aliénation.

Cette rébellion se manifeste aux yeux de ses personnages, qui réclament un changement. Leurs personnages ont une grimace de douleur malgré la sérénité dont ils font preuve, leurs mains crient d'espoir. Tout cela se reflète avec d'énormes traits verticaux pour marquer davantage la douleur.

Avec cette œuvre, Guayasamín a secoué le monde en exposant toute la cruauté de l'homme au cours du XXe siècle. Pour cette raison, il a réussi à exposer dans les principales villes occidentales du monde, provoquant un émoi à la fois dans les critiques et dans la communauté.

De tendresse

Ce cycle a commencé dans les années quatre-vingt en hommage à sa mère, figure transcendantale de sa vie à qui il a déclaré son amour et sa gratitude pour toujours le soutenir.

Cette série marque un changement dans le travail de l'artiste sans que cela signifie que les personnages, désormais plus sereins qu'avant, perdent en quelque sorte leur message de dénonciation et de critique.

L'âge de la tendresse, ou pendant que je vis je me souviens toujours de toi, est composé de 100 œuvres dont le centre est un hommage à sa mère; en fait, il se réfère en général à la figure mère, y compris la Terre Mère.

Cet ensemble est également considéré comme un hymne aux droits de l'homme. C'est la dernière œuvre qui l'a occupé, de 1988 à 1999.

En raison de son style esthétique particulier, mais surtout en raison de son thème axé sur la diffusion d'un message de rébellion et de dénonciation de l'humanité, Guayasamín a réussi avec son art à traverser les frontières de son Equateur natal et à occuper une place d'honneur dans les arts universels.

C'était tellement grâce au fait que sa création a une expressivité particulière du temps qu'il a dû vivre, pour transmettre un message qui a éveillé la conscience de l'humanité et a réussi à générer le cri de rébellion.

Références

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2. Buitrón, G. «Oswaldo Guayasamín» (août 2008) dans «Essais sur l'image» de l'Université de Palerme. Récupéré le 10 janvier 2019 de l'Université de Palerme: palermo.edu
3. "Oswaldo Guayasamín, peintre des larmes, de la colère et de la tendresse" dans l'histoire de Muy. Récupéré le 10 janvier 2019 dans Muy historia: muyhistoria.es
4. "Oswaldo Guayasamín" dans les biographies et les vies. Récupéré le 10 janvier 2019 dans Biographies and Lives: biografiasyvidas.com
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7. Sciorra, J. «José Sabogal et l'identité du magazine Amauta» (novembre 2013) dans le dépôt institutionnel de l'UNLP. Récupéré le 10 janvier 2019 du référentiel institutionnel de l'UNLP: sedici.unlp.edu.ar